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文艺复兴

从中世纪开始的艺术变革被称为”文艺复兴“，它始于意大利佛罗伦萨，从14世纪到16世纪末传遍了欧洲其他地区。文艺复兴由中世纪演变而来，发展成为矫饰主义，并最终影响现代时期的巴洛克和洛可可等艺术风格。

文艺复兴的主要推动力是强调人的完美形态，即所谓的人文主义，这与强调神性的中世纪形成了鲜明对比。文艺复兴持续了约200年，其历史悠久而复杂，至今仍被广泛研究和讨论。一些艺术史学家对”文艺复兴“一词的相关性进行了辩论，将其怀疑地归类为对古典时代的怀旧，而另一些人则认为，如果没有文艺复兴，后来的艺术运动就不会发展得如此激烈。

这一时期是欧洲资本主义发展的重要时期。随着贸易带来的财富不断增加，艺术材料也变得更加丰富。在此期间，画家们从使用蛋基颜料（即蛋彩颜料）转变为使用油基颜料。其他创新还包括菲利波-布鲁内莱斯基（1377-1446年）开发的绘画单点透视法。这一转变的基础是古典绘画技巧的复兴和线性透视法的发展，通过达芬奇（1452-1519年）等艺术家的努力，这一转变逐渐引发了一场彻底的教育改革。它包括对所有古典诗人的深入研究，以及对古典雕塑和建筑的全新鉴赏。

文艺复兴改变了艺术赞助制度 。由于全球贸易增长带来的财富，欧洲出现了一个新的商人阶层，他们委托艺术家为教堂和私人住宅创作更世俗的艺术作品。虽然静物画和风景画是当时最受欢迎的画种，但行会和民兵的形成为群像画创造了新的市场。资产阶级中的个人成为主要赞助人，从而形成了一股市场力量，决定绘画的主题或肖像画的描绘对象。艺术家们不能再像宗教改革之前那样，依赖大型教堂的委托创作宗教作品。

巴洛克

巴洛克是一个被广泛使用的术语，用来描述自16世纪末的矫饰主义运动以来的艺术发展，到17世纪，巴洛克风格变得更加动感和夸张，直到在法国和德国洛可可风格盛行。这一时代开启了新古典主义的初级阶段，约始于1760年。

这一丰富的艺术时期由三个连续的运动构成：十七世纪古典主义与巴洛克之间的对立，随后洛可可风格的出现将巴洛克风格推向了发展的顶峰，最后逐步回归到更加严谨的技术，影响了新古典主义的最初冲动。

巴洛克风格的源流并非清晰可循，但对这一运动影响最大的艺术家，无疑是十七世纪之交的卡拉瓦乔。充满活力的构图，时而苦涩的现实主义风格和对明暗技法的掌握，使他能够准确描绘具体事件的关键瞬间。

古典主义与巴洛克

巴洛克和古典主义之间的正式划分发生在17世纪末的罗马，当时出现了两种不同的风格标准。古典主义风格由安尼巴莱·卡拉奇及其兄弟阿格诺斯托和堂兄弟卢多维科创立。他们风格的传播得益于卡拉奇在启迪学院打下的艺术基础，这所学院的学说可概括为三个要点：回归研究自然、研究过去的大师和研究古代。这所学院为整个古典主义运动奠定了最初的基础，这一运动后来在1648年成立的皇家绘画雕塑学院的支持下在法国发展起来，随后传遍整个欧洲。

洛可可

艺术史学家在分析洛可可运动的概念时仍存在分歧。它是一种独立的风格？还是巴洛克晚期的表现？不过可以确定的是，洛可可运动在整个法国流行开来是在1715年路易十四去世后，是对路易十四统治末期，受其妻子曼特侬夫人的影响采取的紧缩政策的反抗。洛可可风格尤其影响了建筑、室内设计和装饰艺术。在绘画和雕塑中，这种风格注重弧线，即所谓的阿拉伯式花纹。洛可可风格的色调偏向于粉彩：娇嫩的粉色、绿色、蓝色和黄色。艺术家们专注于描绘英勇和轻浮的主题，并乐于描绘细节，甚至不惜粉饰美化构图中的这些部分。

在法国路易十五统治末期和后来的路易十六时期（1774-1792年），洛可可这种奢华高贵的风格逐渐衰弱，尤其是在启蒙时代的影响下。伏尔泰认为这种风格过于肤浅，近乎荒谬，完全违背了理性思维。最终，人们的品味逐渐趋向于更加严肃、有序和智性的作品。新古典主义的发展同时受到考古学的影响，特别是1763年对赫库兰尼姆和庞贝古城的发掘和鉴定。此外，德国艺术史学家约翰·约阿希姆·温克尔曼（1717-1768年）的理论也得到了国际认可。他提出认为古代艺术是”高贵的单纯和静穆的伟大“，这句话一直在欧洲艺术家的耳边和脑海中回响，直到拿破仑帝国的终结。

新古典主义

现代性的曙光初现在1760年左右，当时新古典主义开始成为不同艺术领域的主要美学，包括人物绘画。启蒙运动之后，庞贝古城（1748年）和赫库兰尼姆古城（1738年）的发现和发掘使艺术家们对古典古代重新产生了科学兴趣。新古典主义被视为对17世纪20年代戏剧化和轻浮的洛可可风格的反对，最终成为所有不同艺术领域的标签。这些艺术家和作家参考希腊罗马文学（荷马和塔西佗）和艺术（从古希腊雕塑到万神殿），创造出严肃和金字塔式的构图。在绘画中，艺术家们选择用戏剧化的场景来描绘古典主题和题材，将主体放置在一个平面上，而绘画的重点则在于象征意义、历史重要性和社会地位。

浪漫主义

浪漫主义在1800年左右的文学批评中首次被定义为一种美学，随后在19世纪中叶作为一场艺术运动在法国和英国获得了发展势头。它被视为对法国大革命（1789-1799年）后逻辑与理性的启蒙价值观幻灭的回应。在让·雅克·卢梭等哲学家的推动下，这些艺术家开始将个人情感和经历融入作品中，这是一个以产生了充满情感的绘像而闻名的时代。

后来，艺术家们摒弃了新古典主义历史画中的说教，转而表现想象中的和异国情调的对象，从而扩大了他们的创作范围和题材，这导致了东方主义和日本主义的发展——两者都引发了现代艺术中一些最重要的运动。

摄影术发明于1839年，它对于以现实主义为基础的西方绘画，是个巨大的挑战。由于新技术的出现，写实的绘画技法看似已经过时，但实际上，它正在从照片产生的图像的复制品，演变为艺术家眼里所看见的写实图像。如果说巴洛克艺术家认识到光线的重要性，那么法国印象派艺术家则更进一步，只对光的效果和生动的色彩感兴趣。

立体主义

在这一时期，西方美术更像是一种诠释艺术。立体主义欣然接受了这一概念。从多个角度处理人像，从而创造出抽象的形式。脸部通常被分解并以几何形状表达，增强了画作的体积和深度，并将画布的二维性质融入其中。不过，虽然立体派尝试了自我抽象，它们仍然可以被认为是对被画者实际身体形态的再现。

随后的形而上学运动、达达运动和超现实主义等运动则不太注重被画者本身的身体特征，而更注重艺术家对被画者潜意识的解读。超现实主义的肖像可以说是对视觉解读的一种批判，也是对艺术家心理的一种洞察。

第二次世界大战改变了世界的面貌，也给现代人的心理带来了演变。在整个世纪中，人类生活和社会结构遭到了严重破坏，这促成了一个重要的社会异化和重建时期，关于人类完美性的启蒙观念似乎完全不合时宜。然而，艺术家们接纳了这些不稳定的观念，并努力推翻许多古典理想，对艺术采取更加哲学化的态度。当代西方美术是探索这些创新理念的有效视角。现代艺术家们对绘画的处理更为主观，而当代艺术家则经常利用绘画来传达特定的理论或评论流行文化和社会。

到1945年，西方美术逐渐开始从本质上的现实主义描绘转向更加主观的形式。因此，一些最具影响力的艺术运动都源于这些早期的现代演变，如立体主义、达达和超现实主义，这些艺术变革时期为抽象主义和当代西方美术铺平了道路。

当代

后现代绘画尝试使用通用的符号和偶像，经常夸大和解构它们，以在视觉主体背后提供新的含义。此外，当代艺术广泛关注流行文化和身份认同。安迪·沃霍尔以大量著名偶像的丝网印刷版画，诠释了普遍身份认同的理念。他作品中描绘的”玛丽莲“并没有刻画出玛丽莲·梦露本人的本质，而是代表了大众传媒中的”玛丽莲“，是社会和媒体所培养和复制的夸大身份。摄影——一度被认为是绘画的对立面——如今被用于西方美术中来提出身份认同问题。

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